Коллекции
При выборе работ для коллекции Надежда Брыкина опирается не только на художественную ценность работ, но и на глубокую духовную связь с авторами.
«Меня интересовали их судьбы, их истории, мне хотелось бесконечно всматриваться в их картины, вслушиваться в их необычные рассказы, от которых душа наполнялась
эмоциями, а разум — бесконечными вопросами. Наши отношения строились на дружбе и понимании. Мне всегда были интересны художники, которые жили в России и не собирались ее покидать. Эти художники себя не продвигали. Порой они чувствовали себя чужими не только в официальных художественных кругах, но и среди представителей андеграунда», — рассказывает она.
Марлен Шпиндлер - один из самых ярких представителей неофициального искусства.
В 1960-е годы Марлен работал в Промграфике: разрабатывал рекламные эмблемы, рисовал плакаты и был одним из лучших графических дизайнеров 60-х годов в СССР.
Опыт разработки знаков отразился в абстракциях, которые Марлен писал для себя.
Почти в каждой его работе можно увидеть крест, чуть реже круг и восьмёрку. Важную роль в творчестве мастера сыграли памятники русской православной культуры: архитектура,
иконопись и фрески. Своим учителем Марлен считал Андрея Рублева, а свой стиль называл «стихийной архаикой».
Творчество Марлена Шпиндлера поражает своей мощью и духовной силой. В его лице реализован редкий феномен неповторимой творческой индивидуальности. В работах художника открывается иная реальность, в которой автор соединяется с окружающим миром природы и в то же время тяготеет к символическому обобщению. Неслучайно его фигуративные композиции нередко напоминают спонтанные произведения абстрактного экспрессионизма.
Художник часто работал темперными красками, изготовленными собственноручно. В качестве основы использовал мешковину, поэтому его работы напоминают фрески древнерусских мастеров. Сочетание древних традиций и абстрактного экспрессионизма
позволило Марлену создать уникальные работы, сопоставимые по силе воздействия с работами великих художников XX-ого века.
Творчество Игоря Вулоха глубоко связано с природой. Для него эстетическое созерцание красоты природы предполагает активный прорыв в иной мир, ибо непрерывный динамизм или убивает человека, или превращает его в механизм. Природа служит ему неким психологическим убежищем, по словам Игоря, «природа имеет власть над человеком, умеет врачевать, но порой она бывает более зловеща, нежели людская душа».
Вулох любит быть наедине с природой, он тонкий наблюдатель. Он говорит: «Главная задача как бы переврать то, что я увидел, и создать нечто новое». В своих пейзажах художник выстраивает некую, почти невидимую геометрию, нагружая ее фактурой. Подмечая разные явления природы, тонкими голубовато-серыми линиями он передает неудержимость воды, а цветом, захватывающим пространство картины, - движение воздуха. Все «переживания» природы очарование осени, неослабевающее удивление перед рассветом и закатом художник передает с необычайной тонкостью, что достигается соединением его высокой духовности, чрезвычайной чувствительности и остроты мышления.
Творческий путь Владимира Андреенкова - это упорное стремление к созданию собственного языка.
В 1959 году он начал поиски «своих» средств изображения.
В 1960 году появляются результаты его первых опытов «трансформации», т. е. композиции, где реальный объект, чаще всего фигура человека, «зашифрован» сложными ритмическими конструкциями или, наоборот, упрощенными знаками. Выполняя серию рисунков, Владимир упорно выявляет ритмические связи и другие закономерности построения изображения. Увлекшись, все дальше уходит от реалистической фигуративности в сторону полной условности обозначения, и фигура человека исчезает в «арабеске» условного шрифта. В течение шестидесятых годов он был полностью поглощен «трансформациями».
В процессе дальнейшей работы ритмические настроения (трансформации), а затем и пространственные опыты вошли в каждую композицию и определили пластический язык работ Владимира Андреенкова.
Еща одна особенность его творческого метода - ограниченный, почти спектральный цветовой строй. “Чем меньше цветов, тем энергичней они работают” - комментирует художник свой подход.”
Конструкции Владимира Андреенкова бесконечно варьируются в тональном и цветовом строе. Художник наслаждается возможностью создавать пространство, каждый раз извлекая из одной и той же конструкции новую музыку.
В основе работ Алексея Каменского лежит широкий художественный диапазон, основанный на технике и разнообразии. Это сочетается с тем, что Алексей Каменский часто работает с циклами или сериями на определенную тему. Многие из этих законченных конкретных эскизов он доводит до стадии абстракции. Результатом таких рабочих процессов является большее разнообразие картин, что формально отличает их друг от друга.
Если рассмотреть эти циклы поближе, то можно увидеть интересные художественные этапы и последующее развитие.
Картины Алексея Каменского напоминают эмоциональные пейзажи, в каждом мазке кисти чувствуется глубина его мысли, умиротворенность его одиночества. Свет и краски сливаются воедино. Работа еще больше отражает его душу и его близость. Его творчество основано, в первую очередь, не на идеях, а скорее на впечатлениях.
Валерий Юрлов пришёл к своим первым абстракциям в середине 50-х.
В конце 50-х художник создал серию работ под названием “Уроки Дионисия”, где он провёл “анализ традиционной картины-знака”.
В это же время Валерий Юрлов разрабатывает свою теорию “пара форм”. Художник так сформулировал концепцию теории: “Основа: две одинаковые равные чистые формы, которые будут рассматриваться на протяжении всей работы”.
В дальнейшем на основе теории “пара форм” Юрлов развивал свои идеи для "Троицы". В первом случае были различия, а во втором подчеркивалась гармония с ее определенным противопоставлением.
Валерий Юрлов также интенсивно работал над эскизами скульптур, выполненных из кабелей, проводников, электрических выключателей, которые связаны с темой коммуникации.
В 1980-х годах он работал над концепцией "Фонетика цвета". Традиционные решения, построенные на “столкновении теплых и холодных тонов”, навели его на мысль о том, что “точка соединения разности цвета пары форм дает “взрыв”, а множество таких “взрывов” - это уже музыкальный ряд, нотная шкала”, которая начинает пульсировать и жить своей жизнью.
Творческий диапазон Валерия Юрлова заключается в постоянном совершенствовании и дальнейшем развитии его теории "пара форм".
Юрий Злотников прокладывал свой путь в искусство сквозь череду университетских лекций по семантике, логике, кибернетике, нащупывая жизненные ориентиры в дискуссиях с друзьями математиками и физиками. Дружил он и с писателями, чье мировоззрение также привносило аргументы в пользу искусства как образа жизни и деятельности.
Строгая логическая семантика стала верной спутницей его творчества. Искренняя любовь к живописи в сочетании с конструктивным мышлением- это нечто большее, чем умение эстетически правильно построить работу. Для Злотникова важна не эстетика сама по себе, а некая одухотворенная форма, при создании которой самая главная ипостась - любовь.
Художник, несущий в себе уникальный пласт русской культуры, не может не реагировать на происходящее происходящее не только с ним лично, но и с его страной, и со всей Вселенной. Он философствует, обращается к истории, возмущается и негодует, сталкиваясь с несправедливой моралью. Его волнует непостижимая, но очевидная взаимосвязь человеческой жизни и сложной системы мироздания.
Каждая работа Юрия Злотникова особое «человеческое исследование», и для автора очень важно поделиться своими наблюдениями со зрителями.
«Меня интересовали их судьбы, их истории, мне хотелось бесконечно всматриваться в их картины, вслушиваться в их необычные рассказы, от которых душа наполнялась
эмоциями, а разум — бесконечными вопросами. Наши отношения строились на дружбе и понимании. Мне всегда были интересны художники, которые жили в России и не собирались ее покидать. Эти художники себя не продвигали. Порой они чувствовали себя чужими не только в официальных художественных кругах, но и среди представителей андеграунда», — рассказывает она.
Марлен Шпиндлер - один из самых ярких представителей неофициального искусства.
В 1960-е годы Марлен работал в Промграфике: разрабатывал рекламные эмблемы, рисовал плакаты и был одним из лучших графических дизайнеров 60-х годов в СССР.
Опыт разработки знаков отразился в абстракциях, которые Марлен писал для себя.
Почти в каждой его работе можно увидеть крест, чуть реже круг и восьмёрку. Важную роль в творчестве мастера сыграли памятники русской православной культуры: архитектура,
иконопись и фрески. Своим учителем Марлен считал Андрея Рублева, а свой стиль называл «стихийной архаикой».
Творчество Марлена Шпиндлера поражает своей мощью и духовной силой. В его лице реализован редкий феномен неповторимой творческой индивидуальности. В работах художника открывается иная реальность, в которой автор соединяется с окружающим миром природы и в то же время тяготеет к символическому обобщению. Неслучайно его фигуративные композиции нередко напоминают спонтанные произведения абстрактного экспрессионизма.
Художник часто работал темперными красками, изготовленными собственноручно. В качестве основы использовал мешковину, поэтому его работы напоминают фрески древнерусских мастеров. Сочетание древних традиций и абстрактного экспрессионизма
позволило Марлену создать уникальные работы, сопоставимые по силе воздействия с работами великих художников XX-ого века.
Творчество Игоря Вулоха глубоко связано с природой. Для него эстетическое созерцание красоты природы предполагает активный прорыв в иной мир, ибо непрерывный динамизм или убивает человека, или превращает его в механизм. Природа служит ему неким психологическим убежищем, по словам Игоря, «природа имеет власть над человеком, умеет врачевать, но порой она бывает более зловеща, нежели людская душа».
Вулох любит быть наедине с природой, он тонкий наблюдатель. Он говорит: «Главная задача как бы переврать то, что я увидел, и создать нечто новое». В своих пейзажах художник выстраивает некую, почти невидимую геометрию, нагружая ее фактурой. Подмечая разные явления природы, тонкими голубовато-серыми линиями он передает неудержимость воды, а цветом, захватывающим пространство картины, - движение воздуха. Все «переживания» природы очарование осени, неослабевающее удивление перед рассветом и закатом художник передает с необычайной тонкостью, что достигается соединением его высокой духовности, чрезвычайной чувствительности и остроты мышления.
Творческий путь Владимира Андреенкова - это упорное стремление к созданию собственного языка.
В 1959 году он начал поиски «своих» средств изображения.
В 1960 году появляются результаты его первых опытов «трансформации», т. е. композиции, где реальный объект, чаще всего фигура человека, «зашифрован» сложными ритмическими конструкциями или, наоборот, упрощенными знаками. Выполняя серию рисунков, Владимир упорно выявляет ритмические связи и другие закономерности построения изображения. Увлекшись, все дальше уходит от реалистической фигуративности в сторону полной условности обозначения, и фигура человека исчезает в «арабеске» условного шрифта. В течение шестидесятых годов он был полностью поглощен «трансформациями».
В процессе дальнейшей работы ритмические настроения (трансформации), а затем и пространственные опыты вошли в каждую композицию и определили пластический язык работ Владимира Андреенкова.
Еща одна особенность его творческого метода - ограниченный, почти спектральный цветовой строй. “Чем меньше цветов, тем энергичней они работают” - комментирует художник свой подход.”
Конструкции Владимира Андреенкова бесконечно варьируются в тональном и цветовом строе. Художник наслаждается возможностью создавать пространство, каждый раз извлекая из одной и той же конструкции новую музыку.
В основе работ Алексея Каменского лежит широкий художественный диапазон, основанный на технике и разнообразии. Это сочетается с тем, что Алексей Каменский часто работает с циклами или сериями на определенную тему. Многие из этих законченных конкретных эскизов он доводит до стадии абстракции. Результатом таких рабочих процессов является большее разнообразие картин, что формально отличает их друг от друга.
Если рассмотреть эти циклы поближе, то можно увидеть интересные художественные этапы и последующее развитие.
Картины Алексея Каменского напоминают эмоциональные пейзажи, в каждом мазке кисти чувствуется глубина его мысли, умиротворенность его одиночества. Свет и краски сливаются воедино. Работа еще больше отражает его душу и его близость. Его творчество основано, в первую очередь, не на идеях, а скорее на впечатлениях.
Валерий Юрлов пришёл к своим первым абстракциям в середине 50-х.
В конце 50-х художник создал серию работ под названием “Уроки Дионисия”, где он провёл “анализ традиционной картины-знака”.
В это же время Валерий Юрлов разрабатывает свою теорию “пара форм”. Художник так сформулировал концепцию теории: “Основа: две одинаковые равные чистые формы, которые будут рассматриваться на протяжении всей работы”.
В дальнейшем на основе теории “пара форм” Юрлов развивал свои идеи для "Троицы". В первом случае были различия, а во втором подчеркивалась гармония с ее определенным противопоставлением.
Валерий Юрлов также интенсивно работал над эскизами скульптур, выполненных из кабелей, проводников, электрических выключателей, которые связаны с темой коммуникации.
В 1980-х годах он работал над концепцией "Фонетика цвета". Традиционные решения, построенные на “столкновении теплых и холодных тонов”, навели его на мысль о том, что “точка соединения разности цвета пары форм дает “взрыв”, а множество таких “взрывов” - это уже музыкальный ряд, нотная шкала”, которая начинает пульсировать и жить своей жизнью.
Творческий диапазон Валерия Юрлова заключается в постоянном совершенствовании и дальнейшем развитии его теории "пара форм".
Юрий Злотников прокладывал свой путь в искусство сквозь череду университетских лекций по семантике, логике, кибернетике, нащупывая жизненные ориентиры в дискуссиях с друзьями математиками и физиками. Дружил он и с писателями, чье мировоззрение также привносило аргументы в пользу искусства как образа жизни и деятельности.
Строгая логическая семантика стала верной спутницей его творчества. Искренняя любовь к живописи в сочетании с конструктивным мышлением- это нечто большее, чем умение эстетически правильно построить работу. Для Злотникова важна не эстетика сама по себе, а некая одухотворенная форма, при создании которой самая главная ипостась - любовь.
Художник, несущий в себе уникальный пласт русской культуры, не может не реагировать на происходящее происходящее не только с ним лично, но и с его страной, и со всей Вселенной. Он философствует, обращается к истории, возмущается и негодует, сталкиваясь с несправедливой моралью. Его волнует непостижимая, но очевидная взаимосвязь человеческой жизни и сложной системы мироздания.
Каждая работа Юрия Злотникова особое «человеческое исследование», и для автора очень важно поделиться своими наблюдениями со зрителями.
Борис Отаров изначально получил физико - математическое образование. Во время Великой Отечественной Войны ушёл добровольцем на фронт. На войне Борис получил тяжёлую контузию. Почти двое суток он пролежал под землей, в госпитале два месяца провел в беспамятстве, лишился зубов и облысел. Борис Отаров обладал большой силой духа. “...Война открыла мне глаза на необычайные возможности человеческого духа. Это была борьба не только с внешним врагом, но и преодоление собственной слабости”.
После войны Борис работал в Московском энергетическом институте. Со временем его всё сильнее привлекает живопись. Он учился в студиях, брал уроки у живописцев.
Обретя внутреннюю свободу, Отаров уже не думает о законах плоского изображения, и оно становится объёмным, поражая явной скульптурностью отдельных фрагментов. Кроме масла, темперы и пастели в ход идут смола, лак, камни, стекло, дерево, смальта, металл, керамика. “После войны я решил твёрдо, что назначение человека - труд, внутренне, духовно обоснованный. Других ценностей нет: материальное - бренно, но непреходящ и ценен сам процесс созидания”.
Борис Отаров - художник своеобразный, необыкновенно выразительный, наделенный талантом неукротимой силы. В его живописи особенно отчетливой является духовная составляющая, а его самого сравнивают то с вулканом, то с глубоководной скважиной, из которой бьёт мощный фонтан, экспрессивно выплескивающий на полотно энергию масштабной мысли и раскрепощённого чувства.
Андрей Красулин демонстрирует безразличие к подражательноиу аспекту пластического искусства и вместо этого заглядывает в самую суть вещей, чтобы передать ритм и дыхание природы в своих работах.
Его большие барельефы извлекают из стен памяти фигуры, предметы и архитектурные фрагменты, колонны и детали ландшафта, с помощью которых он моделирует свое видение. Для художника стена "сродни листу бумаги" в том смысле, что и то, и другое служит для моделирования бесконечного пространства, которое является неисчерпаемым источником вдохновения.
Понимание сути бытия, вера в творца и его творения занимают центральное место в творчестве Красулина. Точно сказано, что искусство - это не профессия, это то, как вы проживаете свою жизнь.
Владимир Соскиев - один из самых выдающихся русских скульпторов второй половины XX века.
В его работах чувствуется дух родного дома, древние и современные обычаи, народные песни. Он работает, шаг за шагом переосмысливая образы и явления окружающего мира. Ключевыми понятиями многих работ Владимира Соскиева являются сиюминутное и вечное, а также их философская взаимосвязь. Ритмическое благозвучие имеет первостепенное значение, она несет в себе идею".
Персонажи лирических композиций Владимира Соскиева полны наивности, примитивности и чистоты. Они излучают трогательную, волшебную природу любви. Они человечны, пленительны и в чем-то необычны.
Художник рассматривает произведение как объект изобразительного, эстетического искусства, которое никоим образом не обязано изображать что-то конкретное. Гораздо важнее придать скульптуре одухотворенность и передать убедительный объем и пространственную структуру. Эти качества достигаются главным образом благодаря его богатому художественному таланту.
Андрей Красулин демонстрирует безразличие к подражательноиу аспекту пластического искусства и вместо этого заглядывает в самую суть вещей, чтобы передать ритм и дыхание природы в своих работах.
Его большие барельефы извлекают из стен памяти фигуры, предметы и архитектурные фрагменты, колонны и детали ландшафта, с помощью которых он моделирует свое видение. Для художника стена "сродни листу бумаги" в том смысле, что и то, и другое служит для моделирования бесконечного пространства, которое является неисчерпаемым источником вдохновения.
Понимание сути бытия, вера в творца и его творения занимают центральное место в творчестве Красулина. Точно сказано, что искусство - это не профессия, это то, как вы проживаете свою жизнь.
Игорь Новиков принадлежит к поколению московских художников, чье становление происходило в период распада Советского Союза и перестройки. Его отец, художник Алексей Новиков, оказал большое влияние на юного нонконформиста в начале его творческой карьеры, познакомив его с работами Малевича, Шагала и Кандинского.
Во время учебы в Московском художественном институте имени В.И. Сурикова Игорь пытался навязать своё видение, воплощая в композиции собственные идеи. Таким образом, у него возникли проблемы со своим преподавателем академической живописи, который также был бывшим директором Государственной Третьяковской галереи.
Несмотря на свой бунтарский стиль живописи, он в конце концов получил диплом. Результатом его творческих поисков стало создание в 1987 году движения художников “Фурманный переулок”. Вскоре он стал популярным местом для представителей неофициального искусства конца 80-х и привлек многих коллекционеров искусства с Запада.
Игорь нашёл свой собственный стиль в фигурках-пиктограммах. Эти фигурки - это шифр, с помощью которых Игорь передаёт время, в котором он живёт.
Михаил Крунов - представитель молодого поколения, пришедшего на смену советским нонконформистам 1960-х годов.
На его художественное восприятие мира повлияла дружба с художниками той эпохи: Каменского, Андреенкова и Злотникова.
Философия и фактура Каменского, геометрия Андреенкова и идеи Злотникова - именно это триада сформировала Михаила Крунова, который продолжил развивать традиции своих предшественников в своём творчестве.
Импульсы, возникающие в процессе диалога с учителями, пронизывают искусство Михаила Крунова, наполняя особым чувством его картины, которые по-настоящему русские, судя по силе их размаха, цветовой гамме и уверенной руке, Впечатляющие пейзажи погружают зрителей в бескрайние, необъятные пространства, унося их в заснеженные поля, к бескрайним горизонтам молчаливой и загадочной России.
Николай Маркаров занимает особое место в коллекции Надежды Брыкиной. Это не только художник и скульптор. Это - поэт, поэт во всем. Поэзией пронизаны и графика художника, и его скульптуры. Ритм - это основа его работы. Большая часть его работ была уничтожена в результате бандитского разбоя его мастерской, но удалось сохранить часть работ. Николая Маркарова можно назвать нонконформистом по отношению к жестокой действительной. Ведь если жестокому миру человек противопоставляет любовь, это уже неподчинение системе.
Также в коллекцию входят работы Франциско Инфанте, Анатолия Зверева, Владимира Яковлева, Эрнста Неизвестного, Владимира Немухина, Михаила Рогинского, Владимира Потапова, Алекандра Панкина, Эдуарда Штейнберга, Дмитрия Леона, Льва Кропивницкого, Магомеда Кажлаева, Валентины Апухтиной, Семена Агроскина, Михаила Молочникова и других художников.
После войны Борис работал в Московском энергетическом институте. Со временем его всё сильнее привлекает живопись. Он учился в студиях, брал уроки у живописцев.
Обретя внутреннюю свободу, Отаров уже не думает о законах плоского изображения, и оно становится объёмным, поражая явной скульптурностью отдельных фрагментов. Кроме масла, темперы и пастели в ход идут смола, лак, камни, стекло, дерево, смальта, металл, керамика. “После войны я решил твёрдо, что назначение человека - труд, внутренне, духовно обоснованный. Других ценностей нет: материальное - бренно, но непреходящ и ценен сам процесс созидания”.
Борис Отаров - художник своеобразный, необыкновенно выразительный, наделенный талантом неукротимой силы. В его живописи особенно отчетливой является духовная составляющая, а его самого сравнивают то с вулканом, то с глубоководной скважиной, из которой бьёт мощный фонтан, экспрессивно выплескивающий на полотно энергию масштабной мысли и раскрепощённого чувства.
Андрей Красулин демонстрирует безразличие к подражательноиу аспекту пластического искусства и вместо этого заглядывает в самую суть вещей, чтобы передать ритм и дыхание природы в своих работах.
Его большие барельефы извлекают из стен памяти фигуры, предметы и архитектурные фрагменты, колонны и детали ландшафта, с помощью которых он моделирует свое видение. Для художника стена "сродни листу бумаги" в том смысле, что и то, и другое служит для моделирования бесконечного пространства, которое является неисчерпаемым источником вдохновения.
Понимание сути бытия, вера в творца и его творения занимают центральное место в творчестве Красулина. Точно сказано, что искусство - это не профессия, это то, как вы проживаете свою жизнь.
Владимир Соскиев - один из самых выдающихся русских скульпторов второй половины XX века.
В его работах чувствуется дух родного дома, древние и современные обычаи, народные песни. Он работает, шаг за шагом переосмысливая образы и явления окружающего мира. Ключевыми понятиями многих работ Владимира Соскиева являются сиюминутное и вечное, а также их философская взаимосвязь. Ритмическое благозвучие имеет первостепенное значение, она несет в себе идею".
Персонажи лирических композиций Владимира Соскиева полны наивности, примитивности и чистоты. Они излучают трогательную, волшебную природу любви. Они человечны, пленительны и в чем-то необычны.
Художник рассматривает произведение как объект изобразительного, эстетического искусства, которое никоим образом не обязано изображать что-то конкретное. Гораздо важнее придать скульптуре одухотворенность и передать убедительный объем и пространственную структуру. Эти качества достигаются главным образом благодаря его богатому художественному таланту.
Андрей Красулин демонстрирует безразличие к подражательноиу аспекту пластического искусства и вместо этого заглядывает в самую суть вещей, чтобы передать ритм и дыхание природы в своих работах.
Его большие барельефы извлекают из стен памяти фигуры, предметы и архитектурные фрагменты, колонны и детали ландшафта, с помощью которых он моделирует свое видение. Для художника стена "сродни листу бумаги" в том смысле, что и то, и другое служит для моделирования бесконечного пространства, которое является неисчерпаемым источником вдохновения.
Понимание сути бытия, вера в творца и его творения занимают центральное место в творчестве Красулина. Точно сказано, что искусство - это не профессия, это то, как вы проживаете свою жизнь.
Игорь Новиков принадлежит к поколению московских художников, чье становление происходило в период распада Советского Союза и перестройки. Его отец, художник Алексей Новиков, оказал большое влияние на юного нонконформиста в начале его творческой карьеры, познакомив его с работами Малевича, Шагала и Кандинского.
Во время учебы в Московском художественном институте имени В.И. Сурикова Игорь пытался навязать своё видение, воплощая в композиции собственные идеи. Таким образом, у него возникли проблемы со своим преподавателем академической живописи, который также был бывшим директором Государственной Третьяковской галереи.
Несмотря на свой бунтарский стиль живописи, он в конце концов получил диплом. Результатом его творческих поисков стало создание в 1987 году движения художников “Фурманный переулок”. Вскоре он стал популярным местом для представителей неофициального искусства конца 80-х и привлек многих коллекционеров искусства с Запада.
Игорь нашёл свой собственный стиль в фигурках-пиктограммах. Эти фигурки - это шифр, с помощью которых Игорь передаёт время, в котором он живёт.
Михаил Крунов - представитель молодого поколения, пришедшего на смену советским нонконформистам 1960-х годов.
На его художественное восприятие мира повлияла дружба с художниками той эпохи: Каменского, Андреенкова и Злотникова.
Философия и фактура Каменского, геометрия Андреенкова и идеи Злотникова - именно это триада сформировала Михаила Крунова, который продолжил развивать традиции своих предшественников в своём творчестве.
Импульсы, возникающие в процессе диалога с учителями, пронизывают искусство Михаила Крунова, наполняя особым чувством его картины, которые по-настоящему русские, судя по силе их размаха, цветовой гамме и уверенной руке, Впечатляющие пейзажи погружают зрителей в бескрайние, необъятные пространства, унося их в заснеженные поля, к бескрайним горизонтам молчаливой и загадочной России.
Николай Маркаров занимает особое место в коллекции Надежды Брыкиной. Это не только художник и скульптор. Это - поэт, поэт во всем. Поэзией пронизаны и графика художника, и его скульптуры. Ритм - это основа его работы. Большая часть его работ была уничтожена в результате бандитского разбоя его мастерской, но удалось сохранить часть работ. Николая Маркарова можно назвать нонконформистом по отношению к жестокой действительной. Ведь если жестокому миру человек противопоставляет любовь, это уже неподчинение системе.
Также в коллекцию входят работы Франциско Инфанте, Анатолия Зверева, Владимира Яковлева, Эрнста Неизвестного, Владимира Немухина, Михаила Рогинского, Владимира Потапова, Алекандра Панкина, Эдуарда Штейнберга, Дмитрия Леона, Льва Кропивницкого, Магомеда Кажлаева, Валентины Апухтиной, Семена Агроскина, Михаила Молочникова и других художников.